蒂姆西-萨尔茨曼的管乐合奏教学【整理：杨巍】

冷狐

蒂姆西-萨尔茨曼的管乐合奏教学

整理：杨巍

前言    指挥教授蒂姆西-萨尔茨曼先生(Timothy Salzman)，是被卢仕-苏坦-沃尔特艺术基金会授予终生奖金的著名教授，是美国华盛顿大学音乐学院副院长、奖学金评审委员会主席。他在华盛顿大学音乐学院担任管乐团指挥，音乐学院管乐团和交响乐团总监。他同时教授大学和研究生院的指挥课程，是在国际上享有较高声誉的著名指挥家。
    萨尔茨曼先生曾在伊利诺大学和新英格兰音乐学院学习指挥课程。先后创建了蒙塔那学院、伊利诺大学等多个管乐团，并多次获得美国大学管乐合奏以及行进队列各种比赛的最高奖。美国最著名的哥伦比亚出版社等多次出版了萨尔茨曼先生诸多的有关管乐艺术的论文，他的著作目前还被美国大学选为管乐指挥教材。
    作为美国音乐艺术家、教育家和指挥家，萨尔茨曼先生曾先后被多个国家聘为管乐团的音乐总监及管乐比赛评委，在35个国家和地区进行过演出和讲学活动。
    他是美国管乐家协会负责人之一，每年组织举办约有60多个管乐团参加的美国西部大型管乐比赛，并多次出任比赛的艺术顾问、评委会负责人。
    其最新的管乐专著《现代管乐音乐的思想、分析和评论》由美国默热迪施音乐出版社出版发行，成为关于论述现代管乐艺术的畅销读物之一。


第一部分：管乐合奏的音准和音色
    在管乐合奏中音准是个非常非常重要的问题，直接决定着乐团的演奏效果及和声效果。但是，我们的老师在解决音准问题时，一般对音色问题不太敏感，认为音色差一些音准好就行，而实际上这两个问题上是一个问题。因为在实践中，我们经常可以看到这么一个现象，音准好的乐手未必音色好，音色好的乐手一般音准都好。
    音色由气息决定。
    好的气息是很均匀的；不好时是有时多有时少，不均匀不统一。我们要想要乐手要有好音准就要乐手追求好的音色，而要好的音色就要正确的运用气息。
所以，我们要调整乐手的音准，就要通过以下5个方面进行调整：

1.演奏姿势
a.身体的姿势
    身体要坐直。可以把身体背靠着墙体验（脚跟，臀，肩靠墙）身体直的感觉，坐的时候和站的时候一样，也是身体要直，绝对不能靠着座椅演奏。坐的时候要离椅子背远一些，双脚自然放在地上。可以用左手放在腰上，感觉它是凹进去的。
    坐好的时候吸气和没有坐好时的吸气是不一样的。因为肺部是长条型，只有坐直了吸气，肺部才能完全的撑开，才能吸进更多的气（实验：用O的状态吸气，感觉身体坐直和不坐直的吸气量不同）。
b.头的姿势
    头要抬起来，最少是和地面平行（实验：用O的状态吸气，感觉头歪和不头歪的呼吸状态不同【注：歪头针对长笛、萨克斯、圆号，其它类管乐就是低头的问题】）。如果头的姿势不好也会影响吸气量。所以任何时候都要保持好头的正确姿势。
    演奏姿势做好了，乐手才能吸进更多的气，才能对演奏有更好的气息控制。

2.呼吸
    对于管乐演奏和唱歌的人来说，气是最重要的，是演奏的源泉力量。在管乐演奏中把长乐句演奏好是很难的事情。要把每一个乐句奏好，要让每一个乐句的最后一个音符吹好，就要永远记住，吸气要尽量的深吸。
    我们在在排练之前可以先做一些深呼吸练习【注：第四部分会详细介绍】，使乐手放松下来，让他们不把注意力马上就放在乐谱上，而是先与指挥建立一种默契。
除此外还可以让乐手在乐器上做这样练习：深呼吸，不发音，只吹气，只按键，吹乐句。这样他们就能清楚的知道自己要用多少气才能把这个乐句吹到最后一拍。
    要时刻提醒乐手在演奏难的乐曲时，要把注意力放在气上，因为手指再快没有气是发不出声音的，最重要的还是气。

3.口腔状态
    当有了正确的姿势，气也吸足了，但是音还是不准，这时就要注意口腔的大小了。
    口腔里面要打大。虽然管乐器各有不同，演奏嘴型也各不一样，但是有一点是一样，只要是吹的乐器，口腔就要打开，打得很大。
    要让自己的口腔打开，就要让自己的①牙齿2打开，②舌头8放平，③上腭5抬起来。
    乐手在演奏时有时顾不上口腔有没有打开，有一个简单的办法来让他们辨别自己的口腔有没有打开。
    如果口腔状态像e（一）就是没有打开状态，像a（啊）就开了不少，像o（哦）就是口腔最大状态。口腔处于e（一）的关闭状态时，音就会非常偏高，口腔处于o（哦）的打开状态音就会降下来，就不会偏高。
    可以做这一个练习感受：跟着指挥的手势，从e（一）→ a（啊）→ ao（嗷）→ o（哦）进行发音体会。
    口腔的大小是决定音色好坏的重要元素。口腔不能随着声音的强或弱而改变它，要永远保持打开的状态，而不能在弱奏的时候就关闭口腔就e（一）了。
【注：还一个简单找打开口腔的办法：在乐谱上换气记号旁边标上OH（哦），提醒自己要打开口腔吸气。】

4.嘴型
    嘴型，对于不同乐器肯定不一样的。嘴型和身体姿势也有关系，没有好的身体姿势、乐器角度没有放好也难有好的嘴型。好的演奏家一定会有好的姿势。

5.调音管的调节
    当前四点都做的很好了，音准还没有解决时，就可以开始调节乐器的调音管了。很多人面对音不准的时候只是做这一点，而不做前四点。但音准的好坏，实际上前四点更加重要。因为音准不是由乐器决定的，而是由人决定的。

第二部分：管乐合奏的平衡
    指挥的责任就是帮助每个乐手调整他的音色、音准、风格、合奏、融合这些问题，帮助他们认识到他们在音乐中的作用。
    在管乐队中每个乐器的构造，材质，制作工艺，演奏方法都不一样，想要把这些不同乐器的音色融合在一起，变得好听，形成音乐，是个很难的事情。
    要调和音色先要使管乐合奏平衡。
    要做到管乐合奏的平衡要从以下2个方面进行处理。
    1.声音的纵向处理（从低到高的音的处理）
    在一般的管乐队里，乐队构成可以分为两个层次：旋律+和声（或伴奏）
如果乐手是演奏伴奏的话，就是在做和声，指挥就要让他清晰的知道他在和声里的位置，要让他清晰的感觉到层次，要让他知道自己在做什么
声音的纵向处理主要从以下4点进行：
    a.低音声部的处理
    低音声部始终是最重要的，大家要确立以他们为中心，在演奏时始终要听到他们，就像一个乐队的标准音一样。
    因为，现在的管乐作曲家都是以低音声部为基础来进行发展写作的，不管演奏什么声部的乐器（高音中音）都要先听到低音，再以它为中心和它进行调和（包括音准，音色，风格），它是一个乐队的基础，是根本。
    而在国内，很多业余的乐队都没有足够重视低音，甚至听不到低音的乐队还大有所在。
    如果低音声部不好（音准不好，不稳定）那其他一切都无从谈起在调音时，要让低音声部的音响布满整个乐队，让它的音响形成一个大圆的感觉，然后不管什么乐器加进来，都要进到这个圆的圆心，这样所有的乐器就会融合包容在一起，乐队的声音听起来就会很温暖，很美了。

    b.和弦声部的处理
    在和弦里哪个音是最重要的？哪个音的功能是最重要的？碰到有的作曲家的旋律写的好，但是和弦配的不好怎么办？乐手在演奏和弦时也不知道自己演奏的是和弦里的什么音（三音？五音？根音？）怎么办？
    这时有两个方法对和弦声部进行处理：
    ①调整和弦声部的各乐器各音的力度
    ②如果作品和弦配的太糟糕，就重新编配作品
    所以作为指挥要好好研读总谱，心里要很清楚音乐让自己做什么和音乐不让自己做什么，音乐要是什么音响效果，自己该如何做出来。
    c.高音的处理
    作曲家一般都非常喜欢写高音，但实际上高音非常不好处理，作为指挥要要求乐手在任何时候不管演奏高音还是低音都要保持音色统一。
    我们可以按以下方法处理高音：
    1.高音要柔和，要想唱歌一样
    2.演奏低音到高音连接时口腔不能o-e，而应该还是o-o，高音演奏时声音感觉要含在口腔里，而不是放出来。高音要发o的感觉，要让声音变得很圆润。
    有时候我们还可以看见作曲家给一些乐器写很高的音阶上行还写渐强，实际上这是完全没有必要的做法。因为乐器在演奏高音上行时自然就会有渐强的趋势。优秀的乐手在这个时候不会按谱子上写的渐强去演奏反而会有收敛，而没有经验的乐手就会按乐谱上渐强标记去演奏，结果只会听到最后一个很贼很响的高音，而音乐就被一个像猫叫的高音给破坏掉了。
    所以当指挥第一次拿到总谱时，一定先要找到旋律线里的最高音，用笔做上标记。因为这个音太有杀伤力，往往这个最高音不但会跑调，而且还最难听。
所以始终要记住这一点：不管音乐风格是什么样，高低音音色一定要统一，高音一定要柔和，高音一定要放松。
    d.乐器加倍的处理
    在乐器加倍时（即大家一起高八度、低八度、同度奏相同的旋律）以哪种乐器为中心进行音色融合呢？
    我们可以这样去做：
    1.谁是演奏最低的那个旋律？谁最低，就以谁为中心进行音色融合
    2.谁是摆在最靠后面的乐器？谁摆最后，就以谁为中心进行音色融合
例如：在一个比较典型的合奏中，旋律如果由悠风号、单簧管一起演奏，就要以
悠风号为中心。因为悠风号很难听到单簧管，但是单簧管可以听到悠风号。
在具体演奏时，就要把悠风号的声音做一个圆圈，单簧管进到它的圆心里进行融合。
    在管乐创作中乐器加倍是经常使用的手法，受座次、前后、内外、位置影响。
    我们以上做的一切，都是为了追求一个新的目标：我们要让别人听到整个乐队，而不是某个声部，要听到整体，要听到融合。
    2. 声音的横向处理（复调的处理）
    复调作品或复调部分处理时主要注意以下2方面：
    a.要让他们知道在音乐里的角色
    复调音乐实际上就是一组人互相在讲一个故事，每个人都要知道自己在里面的角色，例如：长笛在里面是什么角色要说多大声音，悠风号在里面是什么角色要说多大声音，每个人都要很清楚。只有这样，才会造就音乐的层次。
    我们始终要记住，我们要让观众要听到一个互相交流、互相融合的声音，而不是一个互相打架，战斗，竞争的声音。观众从舞台下听，应该可以感觉到音乐是交织的，是透明的，是可以穿过去的，而不是被布档到的。
    所以，在研读总谱的时候，最重要的是要注意到力度的变化。
    因为有些作曲家标注的力度不一定很好。而相同的力度记号在不同的乐器上代表着不同的音响效果。例如：在乐队齐奏时，我们经常可以看到总谱上每个乐器都写着相同的f，但如果长笛按f奏，长号也按f奏、那长笛就可以回家了，因为根本听不到它的声音。
    所以指挥要清楚的明白不同乐器的轻重，要明白乐器的所处的角色。
    b.在演奏快速或复杂的音乐时，要清晰。
    要清晰，就要深吸气，就要加快气流的速度。

一些补充：
    ①指挥对于音乐的理解，需要的音响效果也会影响两种加倍乐器的音量比例，例如：长笛和长号在一起想表现长笛的f，那就长笛奏f长号奏p，如果是想表现长号的f，那就长号奏f，长笛正常奏f就行。
    ②最难控制力度的是小号，小号的喇叭口可以对着谱架挡住一些。小号在管乐队里的作用和交响乐队里的作用不一样，它在管乐队里面是旋律乐器而不是音色乐器，所以不能奏的太响。
    ③铜管表现的幅度在管乐队里要比在交响乐队里要大。
    ④除了低音很重要外，还要根据音乐作品的不同、音乐要表现的东西的不同，要像作画一样对音色进行调配，不要老用一种方式（有时要突出木管音色，有时要突出铜管音色，音乐决定）
    ⑤突出哪个声部还要根据这个声部的演奏能力来说，但是最终的目的还是要创造出一个温暖的声音来，这个声音只要听起来很温暖很圆润就可以了。
    ⑥乐器编制：长笛4-5（1人兼短笛）//双簧管2//英国管1//大管2、倍低音大管1//单簧管2（1人兼降E）、2、3、低音单簧管2、倍低音单簧管1//中音萨克斯2、次中音萨克斯1、上低音萨克斯1//小号3-4//圆号4//长号3-4//悠风宁2//大号2//弦贝司3
    ⑦就算一个大型乐团有上百人，各声部音量比例也要遵循金字塔原则。管乐队合奏时就像一个唱诗班一样，低音部音量为f，然后越往高音走越轻。力度依次递减。高音穿透力比较强，所以我们高音（力度/乐器配置）不要给太多。
    有时候特别难保持这样的音响，在整个音乐中不可能始终做到这一点，特别是在乐队渐强减弱的时候（很难做到，只能尽量），所以在低音声部做渐强的时候要用更多的气，要尽量的深吸气。
    ⑧低音乐器要吹fff时，不是拼命使力使劲用气的吹【注：紧张的用气】，只要放松的，尽量让气是通顺的出来就已经很强响了。如果吹pp，也是要非常放松的,打开口腔，对眼镜哈气的感觉吹。
    ⑨长笛低音区要用气更多，高音区不能使劲吹
    10大号发音相对会比较迟钝一些，发音前要提前呼气进去做好准备
    11当初学者找不到正确的力度把f吹的过响时，可以要他们先用p演奏，等他们可以吹得很美很柔和时再慢慢增加力度（因为弱奏比强奏难。）而要找弱的气的感觉就去找吹火苗吹歪不吹灭或对冷的手哈气的感觉。

第三部分：管乐合奏的调音
    在美国可以选择巴赫的圣歌来训练管乐队（因为这些曲子比较慢，比较简单，可以用它来训练乐手的气息），在训练时需要让乐手先唱，唱好再演奏，让唱和演奏统一起来。然后再接下来就是调音，就是把所有的音色混合在一起。

1.音色的统一
    以长笛和单簧管为例，一开始这两种声音是不统一的，但只要这两种乐器经常在一起去演奏、去听、互相靠，久了以后就会很统一，这个要自己动脑筋。

2.对音
    最好用大号对音，因为它是最基础的最重要的。
    一般从用A或降B对音，用哪个对音都没有关系，主要是头脑要有音准概念，因为对音不管用哪个音对，肯定都会有几个乐器不太好对。
    对音的方法：
    a. 大号吹F
    b. 闭上眼睛，用耳朵仔细听—最少听5秒
    c. 先唱【注：哼鸣】→再演奏。从唱到演奏感觉肯定会有些不一样，主要靠自己去调节。
    假设这个大圆是大号的喇叭口，声音出来就要像灯光渐渐亮起来一样。从中间出来，然后慢慢充满整个号喇叭口的边缘。管乐难对音就是因为声音容易吹的太大，声音一大连校音器也没有办法进行校音。对音的时候一定要轻轻的从中间到号喇叭边的进行对音。声音如果不是从号喇叭口中心出来，而从偏上或偏下的位置出来的话，声音就会偏高或偏低

    d. 对音的顺序（按以下组的顺序逐渐加乐器进来）
    ① 大号
    ② 带簧片的低音乐器（巴松、低音巴松、低音单簧管、上低音萨克斯等）
    ③ 长号、悠风号、次中音萨克斯
    ④ 圆号
    ⑤ 单簧管 长笛 双簧管
    ⑥ 中音萨克斯
    ⑦ 小号
    e. 双簧管一般用A音对音（因为双簧管在交响乐团用A对音），弦乐贝司一般也用A对音。如果这些演奏的乐手可以适应用A对音的话就可以用A按以上顺序对音，如果不容易适应的话，那就先用F对，再用A对，最后再用F验证一下。
    最重要的还是要让所有演奏者的不同的声音融合在一起，形成一种新的音色，这样才能对好音。
    大号或双簧管在对音的时候会在面前放一个校音器，以保证他们吹出来的音准确。
    大号对音时，先从弱奏柔和的p开始，到比较舒服的mf时候一直保持，其它声部再弱奏柔和的接进。【注：钢琴调音要跟木琴钢片琴。】
调音的目的是为了把不同乐器的音色融合在一起形成新的音色，做到这一点音准也就好了，而不是原来的观念（调音仅仅是把每个音调准）。

中文茶

非常好……感谢不已

王教授

衷心感谢您！太棒了！

痴迷长号

很有道理！谢谢分享！

普普通通

太细了  辛苦了

美妙的单簧管

不错啊，很有启发性，多谢了！

wzdscgs

好东西，有心人吖！

深海章鱼

冷狐

第四部分：管乐合奏的排练

1.热身练习
    热身练习的目的是让大家在合奏前找到一个最好的声音，让大家知道在乐队里需要一个什么样的声音，让大家声音统一起来。
    这个练习对初学者特别重要（这个练习不是所有的乐团都需要，但是越是初级的乐团越是需要。在美国大学乐团每次练习前要进行6-7分钟的热身练习，而中小学则要花到20分钟以上的热身练习。）
    如何把热身练好呢？我们可以通过以下4步来做：
    a、 做深呼吸练习
   ①慢速吸气8拍，保持4拍，呼气8拍
   ②慢速吸气6拍，保持3拍，呼气6拍
   ③慢速吸气4拍，保持2拍，呼气4拍
   ④慢速吸气2拍，保持2拍，呼气2拍
   ⑤吸气4拍，呼气4拍
   ⑥吸气2拍，呼气2拍
   ⑦吸气1拍，呼气1拍
    吸气时要提醒乐手口腔保持o的感觉，然后你要仔细听，如果乐手吸气时发出了声音就表示他们吸气时口腔没有打开。因为好的吸气没有声音的，他们的口腔是打开的。
    呼气时要他们发出HOH的声音，而且是渐强的感觉。
    通常在演奏音乐时，呼吸间是没有保持的，保持是为了让乐手身体（肺和腹部）能够记住气吸进去的这种撑开的状态，以后再吸就会吸到足够的气。
    不管呼吸速度的快慢不同，吸气量要保持一致。这样可以让你的呼吸系统可以适应各种不同的音乐（慢速的或快速的）
    b、 演奏巴赫的圣歌
    他的这些作品比较慢，而且可以唱、可以演奏，可以给乐手更好的感受。
    c、 做高低音的连音练习
    这个练习可以让乐手脸部和嘴唇放松，更容易的演奏乐曲【注：即把嘴活动开】
    d、 吐音练习
    保持音要如歌的演奏，跳音要像跳舞一样的演奏。

2.布置作业
    在上次排练结束时就要布置这次排练的作业，要让乐手知道这次排什么，要让他们在排练前就要把要排的部分练好。

3.排练顺序
    整体听一遍 → 抠细节 → 再整体听

4.在排练时要做的事情
    a、 分析乐手的问题（是什么问题？）
    b、 诊断乐手的问题（为什么会出现这样的问题？）
    c、 解决乐手的问题（该怎么解决这样的问题？提出解决方法）
5.通过以上的办法后，再听听乐队的整体部分有没有改进

第五部分：音乐的诠释
    如何使音乐有生命力？就是要重新创作音乐。
    同一个作品，面对不同的乐手、不同的指挥、不同的观众，效果是不一样的。
    要表现好音乐就先要做以下5个方面的研究
1、研究作曲家的观点（想法）
    要明白作曲家想要这个音乐是什么样的，想要乐手怎么做，想要指挥怎么做，就要先研究这个作曲家及其写作背景
    a、研究作曲家的生活和经历
    在排练前，你要先研究作曲家的生活，他为什么写这个作品，他的创造意图是什么（可以通过因特网搜索尽可能多的信息，背景信息收集越多，你对作曲家音乐的理解就会越深刻，你就能给观众传达更多的信息。）
    b、研究作曲家创造这首作品的意图
2、研究不同乐器不同声部在乐曲里的作用
    a、有时乐器会在旋律/伴奏间互相交替
    b、有时乐器就一直伴奏
    这个作用，乐手有时候不会明白，这个要靠指挥去告诉他们。
3、研究作品的风格
    虽然音乐有很多种，但是大致可以分为两大类：
    a、如歌的
    b、舞曲般
    有时乐手不明白自己演奏的是什么风格，这个也要告诉乐手
4、研究作品里的句法
    要把风格做对，先要把句法弄清。
    a、乐句的起止
    指挥一定要很清楚的知道乐句从哪里开始，到哪里结束。
    在管乐队里句法非常重要！！！
    管乐演奏完全靠气，里面的换气点就相当于弦乐里的换弓，如果句法不清楚就会影响演奏质量。每一个换气记号都要标号好，要要求乐手每次都要在相同的地方换气，不能乱换气。这个工作一定要做得细致，要不然乐手上台一紧张就会乱换气。
    b、乐句的诠释
    ①乐句的方向
     乐句是有方向的。大部分的音乐不管是紧张、还是松弛，乐句都是向前流动的。
    ②乐句的轮廓
     音乐就像从高山上流向大海的河流，它不但有方向，而且在它的流动过程中还会有拐弯、加速、起伏的变化。我们只有按照乐句的这两个特点去做才是音乐而不是音符。
5、研究作品里的强弱记号
    强弱记号要在谱子上标记出来，而且还要根据自己的感受来标记。
    a、除了按作曲家写下的强弱记号进行演奏外，指挥还要根据自己的理解增加一些强弱记号的要求。特别有些乐器，谱子上写的是f，实际上要求他们演奏mf（比谱子上写的力度弱一些）音色会更好一些。【注：记住任何时候都不要太响。】
    b、要根据各个乐器的不同，强弱记号还要修改，因为作曲家不会知道每一个乐器的乐器特性，这个需要靠指挥来进行调整。

补充：拿到一部新作品要做的准备工作
第一步：要把自己当成一个乐手，先要把拍子弄明白，一般用节拍器把这个作品的速度弄的很准确。因为大部分作曲家标的拍子速度都是经过考虑的，他们标的拍子速度就是他们所需要的。
第二步：练习并熟练打拍子的姿势
第三步：用钢琴把作品慢速演奏一遍，去品味作品的含义。这个要花很多时间慢慢去做。研读总谱的过程就像研究齿轮一样，要清楚知道音乐每一个部分是如何卡在一起。
第四步：尽量多收集作曲家的资料

研读总谱时最好不要在总谱上做记号，如果实在要做记号研究可以复印一份来做。
因为保持谱面干净，你才会觉得在指挥乐队而不是指挥总谱。

本文系蒂姆西-萨尔茨曼先生于2009年3月13日-3月20日期间，在中国管乐学会主办的管乐指挥培训班班上的部分授课内容，并由江西农业大学杨巍先生整理完成。

注：这次课程对我们学校的乐团训练理念有很大的影响，本文已经发到中国管乐学会的官方网站上，特此再放在这里和大家共享